嗚呼、ロクハン！！ 【装置の見直し】 いざ対決→ 【モノラル化の仕方】 【RCAの隠し子？】 【BBCよ、応答せよ】 自由気ままな独身時代 （延長戦）結婚とオーディオ （延長１０回）哀愁のヨーロピアン・ジャズ （延長１１回）PIEGA現わる！ （延長１２回）静かにしなさい・・・ （延長１３回裏）仁義なきウェスタン （試合後会見）モノラル復権 掲示板

嗚呼、ロクハン！！

Lepai　LP-2020A

最初のコンセプトは「ながらラジオ族」でしたが、ミニワット管で何でも鳴らすのは限界があるので、アンプの見直しをすることといたしました。 　そこで煩悩の赴くまま、激安デジタルアンプ　を使ってみました。機種はLepai社のLP-2020Aで、2500円という価格がお遊びのような感じですが、いわゆる車載用アンプをACアダプターで駆動するというものです。ICアンプのように過大な放熱板もいらないため、こうした手軽な方法で十分ということになるようです。 　許容入力3WのPE-16Mに対し、20Wの出力は十分すぎるほどで、しかもPE-16Mは軽いコーンで作られているスピーカーは、アンプへの負荷も少ないため、こうした組み合わせは意外に良いような気がします。 　結果はPE-16Mが改めて、局用モニターの血筋であることを認識した次第です。いわゆるオーディオ的な鳴り方ではないのですが、どこまでも自然体で情報を伝達する感じで、すっかり気に入りました。

　結局、システムは、以下のようになっています。



　CDプレーヤーは、モノラルシステムがメインに昇格したので、CEC社のものに、ダイナミック・レンジの制約からコンプレッサーを噛ませて、途中に古いUTCの軍事用マイクトランスで音調を整えています。
　このトランスは規格では10kHzまでしか保証していませんが、それ以上は緩やかにロールオフして伸びているようで、音はピアレスのようなキレがない代わりに、布ドリップのコーヒーのように太く甘い中域を抽出します。実際にPE-16Mの周波数特性は10kHz以上は怪しいので、むしろ自然な鳴らし方になるのではないでしょうか。改めて放送モニター用のフルレンジの伝統を掘り起こすと、PE-16Mは30°まで首を振ると、Altec 400BなどのHi-Fi以前の特性と非常に似ていることが判ります。つまりボーカル領域の要点を踏まえたうえで、高域の拡大を図っているのです。

音声モニター用フルレンジ（上：PE-16M、下：Altec 400B）

PE-16M（軸上） PE-16M（斜め45°＆高域絞り）

1. 変換コネクターなどで並列接続して1本化する。
2. プッシュプル分割のライントランスで結合する。
3. ミキサーアンプで左右信号を合成する。

1. ステレオの音の広がりを表す逆相成分をキャンセルしているため、響きが痩せてしまう。
2. 人工的なエコーは高域に偏る（リバーブの特徴である）ため、高域成分が減退する。
3. ステレオで分散された音像が弱く、ミックスすると各パートの弱さが露見する。

そこで、第３のミキサーアンプでの合成ですが、これも左右の信号を単純に足し合わせるだけでは、あまり意味がなくなります。左図のように、左右を2：1程度の割合で混ぜることで、上記の問題をほとんど解決されることが判った。通常は左チャンネルを大きくすれば問題ないようです。 　この方法でミックスした場合、広がりは遠近感で表現されるため、例えばオーケストラで言えば、１階左側から聴くような感じになります。これはこれで、自然なのではないのでしょうか？　古楽器の録音でも、楽器のニュアンスとエコー成分との分離がしっかりして、奏者側に近いバランスで展開する。決してゴリゴリした感じではなく、潤いも十分に出ます。 　ロックで言えば、ベースとドラムの上にしっかりボーカルや各楽器が乗る、という音楽構造が安定するため、バンド間の駆け引きが手に取るように聞けます。これはステレオだと、仮想音像のキックドラムがドンヨリ広がり、ベースとリードギターのピンポンゲームを鑑賞するような感じになることが多いのです。

1. 試聴位置での音像の乱れがなく、好きな姿勢で聴ける。
2. 音の骨格がしっかりして、楽器の主従関係が判りやすくなる。
3. 楽器の出音とエコーがよく分離して、楽器のニュアンスが判りやすくなる。

RCA 44リボンマイクの特性

ラジオドラマ「君の名は」の収録風景（昭和27年）

　もうひとつは、45°オフセットしたPE-16Mの周波数特性は、戦前〜戦中のRCA御謹製のモニタースピーカーMI-4400との特性と近似していることです。なんという偶然でしょう。日本でRCAよりウェスタン系のビンテージ機器が好まれるのは、RCA系の音は常に身近にあって、特別に金を注ぐほどの価値が見出せなったと考えられます。やはり欧米人は目鼻立ちクッキリという印象そのままなのでしょう。


RCA MI-4400B（1947年にBBCが計測）

	ベニー・グッドマン　カーネギーホール・コンサート（1938年） この録音の良さはちょい聴きでは全く判らない。RCA 44型マイクで収録したと解説しているが、実際はよりタフな設計でナロウレンジの50型であるし、録音は会場からCBSまで引き延ばした電話回線を使っている。このため、マイク配置は成り行き任せ、録音レベルはデコボコで統一感がない等、失敗に近いものであった。一方でこの時代には珍しく、放送後一度お蔵入りになった後、1950年になって初リリースされた経緯をもつ。芸術音楽としてのジャズの地位を決定付けた、ジャズの歴史のうえで非常に重要な位置をもつ録音でもある。この激しいギャップが、この録音との付き合い方を難しくしているような気がする。まぁ気楽にラジオで聞いてみてください。
	チャイコフスキー　P協奏曲　ホロヴィッツ／トスカニーニ／NBC響（1941年） 若いホロヴィッツがトスカニーニ翁を煽ること煽ること。まるでサーカスを見ているようで爽快である。多分、例のごとく音符が楽譜より多くなっているような気がするが、競争曲ともいうべきスリル満点のアクロバットぶりは、オリンピックで世界記録を出した瞬間の興奮と同じ種類のものだ。ブルース歌手には悪魔に魂を売ったクロス・ロード伝説があるが、ロシアのピアニストにはそういう逸話がないのかしら？　と思うほどに取り憑かれた打鍵ぶり。ホロヴィッツ選手9.99の演技をとくとご覧あれ。
	ワーグナープログラム　トスカニーニ／NBC響（1941年） RCAから抜粋盤が出ていて、そちらのほうが有名だが、こちらはプログラムの全編を収録したもの。ピアニッシモから始まるローエングリン前奏曲は当時の録音技術の限界で、お蔵入りとなった理由も判るような気がする。しかし観衆に咳ひとつ立てさせずに、この演奏を成し遂げたのは、まさにこの時代のトスカニーニへの敬意の表れでもある。メルヒオール、トローベなど、メトロポリタン歌劇場で活躍した歌手への熱狂とは、また違う感触であることが判る。
	ヨゼフ・ホフマン　ゴールデン・ジュビリー・コンサート（1937年） メトロポリタン歌劇場での伝説的ピアノ・コンサートの記録。まだカーティス音楽院で教育者としての道に専念していた頃のため、普通のコンサートに比べ開始がややけだるい感じもあるが、実はホフマンはこの大観衆を前に、昔ながらのサロン風の流儀で堂々と演奏していることが判る。それだけに一層貴重な記録でもある。復刻はホフマン協会から信任を受けた由緒あるもので、アコースティック録音以来あまり録音機会に恵まれなかったホフマンの千金一隅のチャンスでもあった。
	スウィンギング・ウィズ・ビング！（1944-54年） ラジオ・ディズの看板番組ビング・クロスビー・ショウの名場面を散りばめたオムニバス３枚組。1/3はアセテート盤、2/3はテープ収録であるが、レンジ感を合わせるために高域はカットしてある。このCDは多彩なゲストと歌芸を競い合うようにまとめられているのが特徴で、アンドリュース・シスターズ、ナット・キング・コール、サッチモ、エラ・フィッツジェラルドなど、肌の色に関わらずフランクに接するクロスビーのパーソネルも板に付いており、文字通り「音楽に人種も国境もなし」という言葉通りのハートフルな番組進行が聴かれる。まだ歌手としては売り出してまもないナット・キング・コールにいち早く目を付けて呼んでみたり（ナット自身は遠慮している様子が判る）、壮年期はやや力で押し切る傾向のあったサッチモのおどけたキャラクターを最大限に引き出した収録もある。この手の歌手が、何でも「オレさまの歌」という仰々しい態度を取り勝ちなところを、全米視聴率No.1番組でさえ、謙虚に新しい才能を発掘する態度は全く敬服する。利益主導型でプロモートするショウビズの世界を、彼なりの柔らかな身のこなしで泳ぎまわった勇姿の記録でもある。
	バートランドの子守歌　クリス・コナー（1954年） ラジオ風のDJではじまるアルバムで、こちらはラーキンスらのトリオ・ジャズとのセッションのみを集めたもの。なぜかエラ＆ルイよりも聴く機会が多い。ラジオ風録音のリファレンス的な要素が多く、最初の男性アナがくぐもらないこと、ピアノの高音とのバランス、ボーカルのフェチ度など、チェックするべき項目はほぼ備えている。歌唱スタイルはすでに完成されたもので、当時流行したアレンジをひねくり回す亜流の歌い方とは一線を画いている。
	アラン・フリードのロックンロール・バーティ（1950年代） ロックンロールの名付け親、名物DJのアラン・フリードが催したコンサートの様子を収録したもの。オムニバス形式で、有名無名のバンドが次々紹介される。既に名声を得ている人もいるわけだが、フリードの頼みとあって１曲だけの演奏でもキッチリ歌ってくれる。しかし、若者の歓声の凄さは半端ではなく、当時のダンス狂の片鱗を伺わせるに十分である。

1. 放送そのものが一過性のものであり、スポンサーと利権を分かち合っていた。
2. 戦時中ということもあって、アーカイヴの扱いが乱雑な場合が多い。
3. Hi-Fi以前の収録のため、ステレオ時代に「悪い録音」の代表として隠避された。

1. いわゆる編集なしの一発録りであり、エフェクターの付け録りもあまりしない、スッピンの演奏である。このため、響きは質素で乾いている。
2. 編集作業を経ないまま、生の声を届けようという報道姿勢は、良いほうにも悪いほうにも傾く可能性があり、いわゆる演奏にムラが多い。
3. スタジオ・ライブで、しかも未発表の新曲を披露することが多いため、パフォーマンスとして密室で考え込んでいるような傾向が否めない。いわゆるマニア向けのコレクター・アイテムのように言われることが多い。

	Live at the BBC（1962〜65） ザ・ビートルズ BBCでのみ使われたColes 4048というリボンマイクで、しかも宙づりのオフマイクで録られた番組収録は、EMI正規録音に比べるとカビくさいモゴモゴした音で、軽トラックでAMラジオを聞くようなノスタルジックな録音。いくらコレクターズ・アイテムとはいえ、普通の人ならガッカリである。 ロクハン＋デジアンから聞こえるのは、放送局内でガラス越しに音声チェックしているような音。つまり、ビートルズが壁の向こうに来ていて演奏してます。だいたいそんな感じ。これを、ながらで聞き流す。なんと贅沢な時間なのだろう。ロカビリー中心でカバー曲を演奏するサービス精神旺盛な頃の若きビートルズ。ロックをイギリスのお茶の間に紹介したパフォーマンス・バンドでもあった。
	Cream BBC Sessions（1966〜68年） クリーム 新しいヘヴィ・メタルというジャンルの誕生秘話である。BBCでのセッション録音は、まだアイディア段階の未発表曲も含む、実験的な要素が多いもので、ギター、ベース、ドラムの３人がガッチリ組んで繰り出すサウンドは、エフェクターを噛ませずに乾いた生音をそのまま収録している。このため、普通のステレオで聴くと、収録毎の音質の違いなどが気になり、なかなか音楽に集中できない。正規録音のあるなかで、長らくお蔵入りしていた理由もうなずける。ともかく一発勝負の収録だったことの緊張感が先行しながらも、サウンドを手探りで紡ぎ上げていく感覚はBBCセッション独特のものだ。今の時代にこうした冒険的なセッション収録は許されないことを考え合わせると、オーディオも含めて音楽業界がビジネスにがっちり組み込まれたことの反省も感じる。
	BBCセッションズ（1968〜72年） デビッド・ボウイ ジギー・スターダスト・ツアー前の混沌としたアイディア段階の歌を収録した不思議な録音集。詩をかなり造りこんでいる感じで、アレンジは二の次。つまり、スケッチ・ブックを持ち込んで、プラン説明をするデザイナーのような感覚でスタジオ入りしたのだ。それを放送したBBCの器の大きさは、この時代だからこそできたと言えよう。「ジギー・スターダスト」というバーチャル・アイドルが徐々に生成されるドキュメンタリーとしても面白く、ボウイならではの役者ぶりが成長する過程も聞ける。
	Live in London(1972〜73年) ジュディ・シル この時代には浮いては消える儚い歌手が沢山いたが、ジュディ・シルもそうしたフォーク・ゴスペル歌手のひとり。この録音は、アメリカでのデビューから一段落して、セカンド・アルバムへの繋ぎの時期のスタジオ・ライブを収録したもの。正規アルバムが重厚なオケをバックに含むなど、厚化粧な造りなのに対し、こちらはシンプルな弾き語り。むしろシルの繊細な声使いがクローズアップされ、完成された世界を感じさせる。 当時のイギリスは、ハード・ロック、サイケ、プログレなど新しい楽曲が次々に出たが、そういうものに疲れた人々を癒す方向も模索されていた。21世紀に入って、その良さが再認識されたと言っていいだろう。